Martwa natura to dzieło sztuki, które przedstawia głównie przedmioty nieożywione. Zwykle są to typowe artefakty, które są naturalne lub stworzone przez człowieka. Martwa natura jest dodatkowo znana pod francuskim tytułem Nature morte. Ten rodzaj malarstwa to dzieło, którego tematem są rzeczy martwe. Z reguły te rzeczy są przeznaczone do stołu i regularnie zawierają naturalne artykuły, takie jak owoce, które są uprawiane, i rzeczy rodzinne, takie jak potrawy i materiały.
Wyrażenie „martwa natura” pochodzi od holenderskiego słowa „jeszcze”. W XVI wieku nabrał niepowtarzalnej jakości. W tym czasie martwa natura zyskała uznanie jako klasyfikacja. Jego fundamenty sięgają dawnych czasów.
Martwa natura jest scharakteryzowana jako zbiór martwych rzeczy zaaranżowanych razem z myślą o określonym celu.
Temat i gatunek malarstwa martwej natury
Gatunek martwej natury jest kontrolowany przez artykuły przedstawione na płótnach. Znajdź część protestów postaci z martwej natury, które od samego początku pojawiają się w znanych kompozycjach martwej natury! Zbadaj obraz i znaczenie tych elementów za pomocą modeli martwej natury.
Temat martwej natury jest kontrolowany przez obiekty, które są przedstawione w twórczości artystycznej. Znajdź część normalnych protestów dotyczących martwej natury, które pojawiają się w słynnych martwych naturach od zarania dziejów! Zbadaj obraz i znaczenie tych elementów za pomocą modeli martwej natury.
Patrząc na malowanie martwej natury lub robiąc jeden, najbardziej krytyczną rzeczą, aby zadać sobie pytanie, czy powiedziałbym, że „nie znajduję tego znaczenia?” Czy jest to sporadyczna różnorodność rzeczy, czy też wykwalifikowany pracownik miał jakiś cel przy ich wybieraniu? Nietrudno jest spojrzeć na płótno i pomyśleć: „Cóż, ładne artykuły” i szybko przejść do towarzyszącej mu kreatywnej kreacji.
Niemniej jednak rzemiosło, w razie wątpliwości, idzie znacznie dalej niż tylko przedstawianie ładnych rzeczy. Niezależnie od tego, czy utwór jest rzekomo bezmyślny, za pracą zawsze kryje się zasadnicza perspektywa. (Podobnie, jeśli musisz spojrzeć wnikliwie na wykonanie, podstawową kwestią jest przyjrzenie się fascynującej kompozycji z bystrym okiem i dociekliwym mózgiem!)
Punkty za obraz martwej natury mogą być bliskie i drogie, społeczne, społeczne, niesamowite, wymagające lub filozoficzne i egzystencjalne. Albo też można je ustalić na podstawie atrybutów materialnych, na przykład ukrywania lub powierzchni. Można je nawet dziwnie ustalić na przedmiotach, które zaczynają się od porównywalnej litery zestawu liter. Te rzeczy możesz znaleźć w zwykłej szafie na śmieci w czyjejś kuchni. Co więcej, te tematy mogą obejmować, aby utkać wielowarstwową tkaną sztukę o tematyce i znaczeniu w pojedynczym arcydziele!
Tematy malowania martwej natury mogą być osobiste, kulturowe, społeczne, mitologiczne, religijne lub filozoficzne i egzystencjalne. Lub mogą opierać się na jakości materiałów, takich jak kolor lub tekstura. Mogą nawet żartobliwie skupiać się na przedmiotach zaczynających się na tę samą literę alfabetu lub rzeczach, które można znaleźć w tradycyjnej szufladzie na śmieci w czyjejś kuchni. I oczywiście wszystkie te motywy połączą się, tworząc wielowarstwową gobelin motywu i kontekstu w ramach jednej grafiki!
Historia
Chociaż artystyczne kreacje artykułów były obecne od starożytnego Egiptu w Grecji. Martwa natura jako ciekawe dzieło sztuki rozpoczęła się w post-renesansowym zachodnim rzemiośle. W starożytnym Egipcie ludzie malowali przedmioty i pożywienie w grobowcach i sanktuariach jako wkład do boskich istot i aby zmarli docenili istnienie po śmierci.
Te artystyczne kreacje były równymi, realistycznymi portretami ich tematów, zwyczajnymi egipskimi dziełami sztuki. Starzy Grecy dodatkowo skonsolidowali martwe natury w swoich pojemnikach, dzieląc dzieła sztuki i mozaiki. Te dzieła sztuki zawierały cechy i cienie. Byli bardziej rozsądni niż Egipcjanie, ale nie byli precyzyjni co do punktu widzenia.
Rzeczywiste, martwe natury były głęboko przesiąknięte surowym i fantazyjnym znaczeniem. To było wrażenie z okazji; Kościół był centralnym punktem codziennego życia. Klasowy porządek dziobania został głęboko wprowadzony – wszyscy znali swoje miejsce i pozostali w nim. W XVI wieku społeczeństwo ewoluowało. W miarę jak nauka rozrastała się w coraz większym stopniu do fortecy, surowe tematy odchodziły na dalszy plan.
Charakterystyczny świat był obecnie intrygujący do oglądania i nagrywania na własnych zasadach, a nie do ścisłych lub legendarnych celów. W miarę jak historia zatrzęsła się w połowie XIX wieku, wyznaczanie wspólnego świata zaczynało odchodzić od stylu. Obecnie świat rzemieślników był coraz bardziej zainteresowany badaniem naszego wewnętrznego wszechświata stanów umysłu i uczuć.
Gdy pędziliśmy przez XX wiek, martwe natury rozpadały się na geometrię, gdy przedmioty były coraz bardziej rozłączane na płótnie. Przed zakończeniem Millenium przedmiot nakreślony w kompozycjach był wywyższany jako towar i postrzegany jako korporacyjna chciwość, tak jak w rozwoju pop-artu i fotorealizmu.
Symbolizm
Ogólnie rzecz biorąc, wiele elementów martwej natury wybrano ze względu na ich ścisłe lub reprezentatywne implikacje, jednak ten obraz czasami umyka zaawansowanym obserwatorom. Na przykład ścięte kwiaty lub trochę gnijących produktów organicznych symbolizowały śmiertelność. Czaszki, klepsydry, paski i świece ostrzegały obserwatorów, że życie jest krótkie. Te często odwiedzane dzieła sztuki znane są jako pamiątka Mori, łacińskie wyrażenie oznaczające „przypomnij sobie, że powinieneś kopnąć w kalendarz”.
Płótna Memento mori są mocno utożsamiane z martwymi naturami vanitas, które zawierają obrazy naturalnych rozkoszy i towarów materialnych, na przykład instrumentów, wina i książek – które niewiele warte są w przeciwieństwie do cudu istnienia po śmierci. Termin vanitas wywodzi się z ogłoszenia skierowanego na początek Księgi Koheleta, w którym wyraża się próżność ludzkiego ruchu: „Marność nad marnościami! Wszystko jest marnością ”.
renesans
Rzemieślnicy północnego renesansu rozwinęli ikonografię martwej natury dzięki płóciennym kwiatom. Te kawałki zwykle ukazują wspaniałą zieleń „z różnych narodów, a nawet z różnych lądów w jednym pojemniku i na jednym zdjęciu kwitnienia” i często nie podkreślają innego tematu. Te dzieła sztuki zyskały zauważalną jakość w połowie XVII wieku. Było to wtedy, gdy specjaliści z północnego renesansu stopniowo zaczęli poszukiwać praktycznych badań normalnych rzeczy.
Artyści holenderscy i flamandzcy sprawdzili zdecydowanie botaniczne rzemiosło ponad i poza swoimi dziełami sztuki vanitas. Malarzy martwej natury motywuje symboliczny Mori, rodzaj obrazu, którego łacińska nazwa oznacza „przypomnij sobie, że musisz ugryźć w pył”. Podobnie jak pamiątkowe portrety Mori, te kawałki często łączą wycięte kwiaty z przedmiotami, takimi jak ludzkie czaszki, topiące się świece i przewrócone klepsydry, aby zwrócić uwagę na krótką ideę życia.
W każdym razie, niepodobne do tokenów Mori, artystyczne dzieła vanitas „zawierają również różne obrazy, na przykład instrumenty, wino i książki, aby pomóc nam jednoznacznie zapamiętać próżność wspólnych radości i towarów” (Tate).
Sztuka współczesna
Martwa natura pozostała znanym elementem i uczyniła sławnymi artystami rozwiniętymi w wielu nowatorskich rzemiosłach. Podczas gdy specjaliści impresjoniści, tacy jak Pierre-Auguste Renoir, bawili się z klasą, zadebiutował on obecnie w okresie postimpresjonistycznym, kiedy Vincent van Gogh objął pojemniki z kwiatami jako temat, a Cézanne namalował popularną kompozycję martwej natury, w tym jabłek. , dzbanki na wino i pojemniki na wodę leżące na odwróconych blatach.
A Dash for the Timber Frederica Remingtona, narysowany w 1889 roku, kiedy rzemieślnikiem był nikt inny, jak tylko 28. Można uznać, że w wyniku różnych podróży rozwojowych Remington przejął „dziki” amerykański zachód. Utrwalając swój święty kult, a tym samym mitologizując pokornego złodzieja bydła, z wiarą w dominujący wizerunek artysty Eadwearda Muybridge’a, Remington oddał dzieła wystawy, ruchu i legendy.
Następnie, oferując zdjęcia ze swoich początkowych wycieczek do znanych współczesnych publikacji, takich jak Outing, The Century Magazine i Harper’s Weekly, Remington już dawno stworzył grupę ludzi do swojego niedosłownego zbioru żywych fantazji.
W momencie, gdy obserwator spogląda na show-stoppera, niesie ze sobą całe swoje życiowe spotkania, całość ich jedynych w swoim rodzaju wspomnień, całość ich wglądu i zrozumienia wszechświata do tej pory. Ich mózg współpracuje z kunsztem, gdy ich oczy wędrują po dziele.
To, czego doświadczam, gdy przyglądam się konkretnej sztuce, nie jest równoważne temu, co spotyka inna osoba, przyglądając się podobnemu dziełu. W ten sposób to, co zrobię, na ogół nie zostanie rozszyfrowane przez innych, podobnie jak zaproponowałem. Pomiędzy celem i tłumaczeniem ciągle pojawia się dziwna dziura i taka jest doskonałość korespondencji.
Dziś wielu malarzy martwych natur nadało współczesnej konwencji nieśmiertelnej konwencji, malując martwe natury z najnowocześniejszymi produktami i artykułami w hiperrealistycznym stylu. Podobnie jak obraz olejny na płótnie, te najwyższej jakości dzieła artystyczne pokazują, że nawet najzwyklejsze przedmioty można przekształcić w doskonałe dzieła sztuki.